НЕ ДЛЯ СТАРЫХ ЭТОТ КРАЙ
27.07.2023-30.09.2023
Выставка проходит
на основной площадке - Marina Gisich Gallery
Режим работы:
каждый день
с 11 до 20 часов.
Стоимость входного билета – 200 рублей
Для пенсионеров и детей до 14 лет вход бесплатный
Билеты можно приобрести в галерее
Творческие союзы часто возникают в пору миграции искусства к новым берегам. Дрейф к новым очертаниям побуждает искать опору, стремление пережить сродство не боясь потерять то, что есть у тебя самого. Есть множество разновидностей творческих союзов. Так же, как и инвариантность дружбы, они подразумевают потребность в обнаружении приязни избирательного свойства. «Динамические пары» - так в свое время обозначили художников, переживающих в какой-то момент возможность взаимодействия, совместной работы. Однако речь не только о парных союзах. Устойчивых или же ситуационных, возникающих в ходе какого-то совместного проекта. Определение будущего типа творчества как потребности в диалоге и общении раскрывает его в перспективе расширения диапазона возможностей художников, раскрывающихся навстречу другому. Это путь к установлению внутреннего родства, не навязанного и непридуманного постфактум историками искусства. Связность определяется отнюдь не только по сходству морфологического характера, но и по тяготению к схожим побудительным импульсам творчества, имеющим неявный, неотчетливый характер.
Расширительность поля взаимодействия создает возможность появления групп и объединений, в основе которых лежит прежде всего дружественность и приязнь, а уже потом схожее понимание эстетических оснований творчества и формальные особенности. Вовлечение в орбиту творческого взаимодействия может иметь и заведомо «неравный» характер. В искусстве, как в мире животных, есть свои ниши и иерархии, свои внутренние территории, нарушать которые не принято. Эта негласная этика отношений может приводить к некой обособленности, не идущей искусству на пользу. Упреки художников во вторжении на их суверенную территорию справедливы, если смотреть на дело с точки зрения патриархального средневековья. Скорость распространения информации, как и возможность быстрого и имперсонального влияния, «заражения» искусством другого , дает возможность к установлению новых горизонтальных связей внутри художественных сообществ и возможности творческого обогащения.
Когда состоявшийся художник с именем, или же устойчивая творческая пара привлекают в союзники художников, не утвердившихся еще на арт сцене, эта рука поддержки и признание дара другого и есть путь к преодолению патриархальной иерархии, приток свежей крови, в которой всегда так нуждается искусство.
Увидеть в более молодом коллеге союзника, почувствовать, как отзывается твой голос во вновь появившейся мелодии - род чуткости и внимания, создающих столь необходимый, имеющий почти что экологический характер тип отношений в современном искусстве.
Во время разобщенности и кризиса отношений, отсутствия возможностей для коллабораций и вымученности любых союзов, появление такого рода связок видится робким, но спасительным шагом в сторону построения новых связей в искусстве. В связках, сформированных на выставке, есть нечто, соединяющее их всех и позволяющее даже говорить о некой общей линии, сумме тяготений, определяющих направление в целом. Оно в чем-то близко искусству, возникшему во Франции в 1940-е годы, когда обозначилось два близких на тот момент направления или типа творчества: арт информель и ар-брют.
Стремление к бесформенному, впускание хаоса форм распавшегося мира в себя, доверие внутреннему зрению и слуху, отзывающемуся на глухие сотрясения времени, так же, как и спасительность тяжелой сырой формы и не артикулированной речи, доверие к инфантильному началу творчества – все это можно отнести к той общей системе координат, в которой работают наши художники.
Глеб Ершов
Нет, не для старых этот край. Юнцы
В объятьях, соловьи в самозабвенье,
Лососи в горлах рек, в морях тунцы —
Бессмертной цепи гибнущие звенья —
Ликуют и возносят, как жрецы,
Хвалу зачатью, смерти и рожденью;
Захлестнутый их пылом слеп и глух
К тем монументам, что воздвигнул дух.
<...>
Уильям Батлер Йейтс
из стихотворения
«Плавание в Византий»
ВИКА БЕГАЛЬСКАЯ, АЛЕКСАНДР ВИЛКИН × АНДРЕЙ СЕМЁНОВ
ВИКА БЕГАЛЬСКАЯ и АЛЕКСАНДР ВИЛКИН работают в творческом тандеме с 2014 года. На момент начала совместной работы оба автора уже были известными, сформировавшимися художниками, каждый – со своим творческим методом и бэкграундом.
Вика Бегальская закончила Харьковскую государственную академию дизайна и искусств. С 2001 г. живет и работает в Москве. Известна феминистскими проектами. Со-основатель художественной платформы «Феминистская кухня». Помимо
основного медиа – живописи, также работает с видео и перформансом.
Александр Вилкин окончил Челябинское художественное училище, Северо-западный институт печати и книжной графики, а также Институт Современного Искусства «БАЗА». В 2006 г. совместно с Игорем Межерицким и Григорием Ющенко основал арт-группировку «Протез» в Санкт-Петербурге. Также, с 2006 г. - участник творческого объединения «Паразит» (Санкт- Петербург). С 2014 г. живет и работает в Москве.
Один из наиболее ярких проектов Бегальской и Вилкина – кукольный спектакль «пояс Афродиты» (в составе творческого союза «Тереза»), вошёл в шорт-лист государственной премии «Инновация» в 2015 г., в номинации «Произведение визуального искусства». В 2017 г. спектакль был показан и стал частью коллекции M HKA (Антверпен).
АНДРЕЙ СЕМЕНОВ — художник, создающий живописные и графические работы в стиле экспрессионизма. Его произведения отличают яркие, порой кричащие краски, свободные контурные линии и обращение к сюжетам из жизни людей с городского дна, наполненные при этом тонкой наблюдательностью и лиризмом.
Семенов окончил Санкт-Петербургскую Академию Художеств, а затем много путешествовал по России и Европе, что обогатило его сюжетную палитру. Обладая прекрасным чувством композиции и цвета, Семенов создает нарочито экспрессивные, но всегда мастерски исполненные произведения, в которых на высоком художественном уровне проявляется особая притягательная романтика мира «за чертой» нормальной жизни.
«…Сделав главным своим героем цвет, живописную медитацию, Андрей Семенов сумел преодолеть академические схемы, не отринув драгоценностей академической культуры. Он является одним из немногих живописцев, «строящих» картины, сохраняя притом лиризм свежего впечатления и экспрессию живописи».
Николай Благодатов
«Рыбы, женщины-утки, скелеты, бутылки, бабушки в валенках и бесконечные арки и каналы. Жанровые сцены малых голландцев, перенесшиеся на улицы Ленинграда, на набережную Мойки или в Фонарные бани. Брауэрские застолья вдруг разворачиваются в рюмочных, где заговорщики в меховых шапках-ушанках склоняются над кружками пива. В какой-то момент смешиваются каналы Амстердама и Петербурга, девушки в окнах и дамы в меховых шапках с начесом, и сам художник в колпаке. И вот уже Рембрандт мелькает в очереди на Невском. Связывая разные эпохи, художник с любовью всматривается в повседневность, находя закономерности, мистические знаки, метафизическую сущность быта. Всматривается в себя в ежедневных автопортретах, оказываясь героем и истории искусства, и питерских улочек. В этом внимании к бытописанию города можно вспомнить ряд других художников, несколько десятилетий раньше учившихся в том же СХШ — Громов, Шварц, Арефьев и другие.
Живопись Семёнова это прогулки по городу, иногда кругами, возвращаясь в одни и те же места, к одним и тем же сюжетам, разным временам дня и года. Иногда возвращаясь, оказывается уже нет этих мест и остаётся только память художника и картины».
Александр Вилкин
АЛЕКСАНДР МОРОЗОВ × ИВАН ХИМИН
АЛЕКСАНДР МОРОЗОВ работает в различных жанрах актуального искусства: объект, инсталляция, графика, видео и живопись. Участник группы «Паразит». Художник уделяет большое внимание различным художественным высказываниям, изучая их границы и взаимодействие.
Проекты Александра Морозова ставят ряд сложных философских вопросов, касающихся расширения модели и функционирования структуры искусства, фиксации переживания и репрезентации среды, физически находящейся вне культурного поля, но внутри поля культурного исследования, а также исследования дихотомии понятий «природа vs культура» вне антропологической парадигмы. Круг интересов художника — пределы искусства и вопросы формирования культурной памяти. Александра Морозова интересует искусство, переросшее свои формальные границы, сделавшиеся философией, антропологией, социологией и собственно жизнью.
Участвовал в XI Красноярская музейная биеннале, 3-й Уральской индустриальная биеннале, в специальных проектах 6-ой, 7-ой Московской биеннале современного искусства, в параллельной и публичной программе Манифеста 10, Балтийской биеннале. Номинант премии Artaward International Strabag (Австрия, 2013), премии Сергея Курехина (2013), Премии Кандинского в номинации «Проект года» (2019). (2019). Лауреат премии Сергея Курехина (2019) в номинации «Лучший визуальный проект».
В проекте «Singbarer Rest» (поющийся остаток), посвященном теме исчезновения культурной памяти, по архивным документам, описаниям, фотографиям Александр Морозов реконструирует утраченные исторические артефакты. В проекте воссозданы сосуды из коллекции разграбленного мародерами багдадского музея. Инсталляция свидетельствует о военной травме и показывает предметы уничтоженные в самом буквальном смысле: древние амфоры физически перестали существовать. Они выступили невольными материальными свидетелями и участниками драматических событий. Сосуды восстановлены на основе репортажных фотографий, информации из музейных каталогов, баз данных Интерпола и ЮНЕСКО, консультаций со специалистами ГМИИ им. Пушкина и Государственного Эрмитажа. Воссоздавая утраченные объекты, автор повторяет древний еврейский ритуал разбиения сосудов Шевират ха келим (ивр. שבירת הכלים ) — так называется предшествующая появлению физического мира космическая катастрофа по учению каббалы. Переживая травму утраты, появляется мир как система равновесия. Восстановленные сосуды напоминают о возможности вернуть миру утраченную целостность, залатать разорванную культурную ткань. «Философ Младен Долар, пишет, что в голосе есть две составляющие: первая — смысловой паттерн, который мы улавливаем; вторая — фон собственно голоса, его звуковая составляющая, которую он называет «нестираемым остатком». Нестираемым остатков для меня являются культурное наследие — питательная среда и гумус.
Проект реализован при помощи керамиста Веры Светловой.
ИВАН ХИМИН — выпускник программы "Новые технологии в современном искусстве" при институте "Про Арте".
Среди персональных проектов художника: “Asciiticism” (2008), “Черты и резы” (2012) в галерее Navicula Artis, «Нет времени» (2015) в Центре современного искусства “Винзавод”, “Абстрактный концептуализм” (2012) в музее современных искусств СПбГУ, “На печи, на девятом кирпичи” (2015) в галерее “Вертикаль”, “Эхолалия” (2019) и “Вершки и корешки” (2021) в галерее Navicula Artis и “Сияние” (2021) в галерее «НеНеМу».
Вершок — русская мера длины, такая же как локоть и сажень — основанная на константах, универсальных антропометрических данных.
Вершок — буквально верхняя часть указательного пальца. В 1918 году эта система мер была заменена на метрическую, но, перестав использоваться, остались в языке, в фольклоре — поговорках, сказках и мифах. Иван Химин в своих предыдущих проектах исследовал компьютерный код в его соотнесенности с первыми системами письменности, находя некие матричные точки соприкосновения в самом их генезисе и алгоритме существования. Одной из отправных точек данного проекта является наблюдение, что вершки, будучи уже безнадежно устаревшей мерой измерения, тем не менее никуда не делись! Вышедшие из физического употребления, но сохранившиеся в виде иконографического знака Save, магнитные дискеты имели официальный размер 3,25 дюйма; дискеты предыдущего поколения 5,5 дюймов. Но когда мы прикладываем вершковую линейку, то оказывается, что их размер — в точности 2 и 3 вершка, соответственно.
ПЁТР ШВЕЦОВ × ЭМИЛИЯ САНГИ
ПЕТР ШВЕЦОВ — петербургский художник, работает в основном с живописью и графикой. Один из немногих представителей своего поколения, кто не ушел от «неактуальной», старомодной техники, а, напротив, усердно ищет и находит в ней новые возможности. Окончил среднюю Художественную Школу при Академии Художеств. С 1992 года Член Союза Художников России.
Главная цель творчества для Швецова — «сделать красоту», которой так мало вокруг. В ностальгических поисках утраченной гармонии он обращается в прошлое. Швецов – певец винтажа в широком смысле этого слова. Искусство Швецова исключительно эмоционально, поэтому художнику до сих пор удается эпатировать, задевать за живое публику, привыкшую, казалось бы, ко всему.
В серии «Болота» Пётр Швецов представляет проект-исследование границ живописи на примере одного, вроде бы простого, мотива – пейзажа с болотом. Живописная фактура проходит здесь проверку на способность передать глубину подтопленной трясины, в которой увязают взгляд и смысл. «Болота» – не живописная серия в строгом смысле слова, а круг работ, объединенных одной темой, исходным желанием всмотреться в максимальном приближении в этимологическую суть топи, в ее живописную глубину.
Дмитрий Озерков
ЭМИЛИЯ САНГИ работает в различных техниках и с разными материалами: инсталляция, перформанс, графика, керамика, найденные предметы, старые фотопленками, диаслайды, фото, видео, графика, керамика, инсталляция. Работала (под другим именем) художницей в кино, художницей по костюмам для двух спектаклей БДТ.
Окончила музыкальное училище, институт народов Севера, аспирантуру — исследовала образ звука и была анторопологом. В 2015 года вступила в объединение “Паразит” и выставляется под псевдонимом Эмилия Санги.
В проекте «Magnum Esox» Эмилия Санги продолжает работать с образом большого женского мифологического существа и представляет белье для великанши. Санги показывает свою героиню дружелюбной и меланхоличной. Великанша-щука со дна Щучьего озера томится где-то в глубине, демонстративно отсутствует, жаждет заботы и внимания. В мифах северных народов и щука, и великанша – персонажи страшноватые, колдовские и чаще всего злонамеренные. Но к своей подводной подруге художница проявляет полную эмпатию, обшивает ее, выманивает на поверхность, хочет порадовать.
«Я гуляла по берегу Щучьего озера и подумала, что, если тут и живет великанша, она совершенно не такая как бывает в сказках. Она такая же девушка как и я, и другие девушки и женщины. Ранимая и сильная, красивая и недовольная, веселая и грустная, любит джинсы или белье; мечтает и не может; может, но не хочет; знает, но не делает; робкая и смелая; любит или разлюбила; помнила или забыла; не забыла и на память спрятала. Смотрит в отражение озера и ждет, или уже уехала».
Эмилия Санги
ИВАН ГОРШКОВ × mrachnik
ИВАН ГОРШКОВ — художник, соучредитель Воронежского центра современного искусства, участник группы «Популярные пограничные исследования» (совместно с Арсением Жиляевым и Ильей Долговым). Окончил художественное отделение Воронежского государственного педагогического университета (2008).
«Художник года» ярмарки Cosmoscow 2017 года. Трижды стипендиат программы поддержки молодых художников Музея современного искусства «Гараж», лауреат премии Инновация-2020, номинант премии Кандинского-2021. Участник многочисленных групповых выставок: персональные выставки художника проходили в Cанкт-Петербурге (Marina Gisich Gallery), Воронеже (галерея Х.Л.А.М.), Москве (ЦСИ «Винзавод», галерея Paperworks), Вене (Knollgallery, AA collections), Берлине (Diehl CUBE), Париже и Будапеште. Живет и работает в Воронеже.
Художник занимается осмыслением культурных кодов современности, называя этот процесс «поиском кристалла чистейшей крейзы». Работает в разных техниках, но существенную долю произведений занимает скульптура. Стремится к максимальному расширению палитры приемов, использует реди-мейды. Основой художественной стратегией считает бесконечное переделывание («найти и улучшить»). Важной частью этой стратегии также называет поиск удачных совпадений, выстраивание цепочки обстоятельств, необходимых для новой ситуации в работе («генератор счастливых случайностей»).
«В проекте мы берем мои новые работы, частью которых является искусственная еда на магнитах. Mrachnik продолжает эту тему серией восковых полипов, которые на магнитах также крепятся к скульптурам. Так все срастается в одно целое, получается контраст "гламурных железок" и телесных, немного жутких восковых паразитов на них».
Иван Горшков
«Основными темами моих работ являются мифы и легенды. Это первые наративы, с которыми мы сталкиваемся в нашей жизни. Образы, возникшие в детстве в нашем сознании, забываются, уходят от нас. Они деформируются, распадаются на части и в новом, причудливом соединении возвращаются к нам. Но полное восстановление мифа невозможно в рамках технологической цивилизации и просвещенного разума. Этот конфликт и является основным источником смыслов для меня. Я пытаюсь уловить эти обрывки мифологического сознания.
С недавнего времени в работах появилась тема телесности. Тело как метафора любой материальности выступает непреодолимой границей к Божественному. Образы дефомированной, «ущербной» плоти являются и иллюстрацией невозможности обращения к Богу, и попыткой снятия понятия телесности и обращения его в свою противоположность».
Mrachnik
ПЁТР БЕЛЫЙ × КАТЕРИНА ВЕСЕЛОВСКАЯ
ПЕТР БЕЛЫЙ окончил ЛВХПУ им. В.И. Мухиной, отделение керамики и стекла. С 1998 по 2000 гг. закончил магистратуру по отделению печатной графики в Камбервелл Колледж (Лондон).
В инсталляциях 2003-2008 гг. развивал концепцию так называемого «мемориального моделирования», где художник обращался к определенным моделям, в основном архитектурным («Щ854» (2005), «Опасная зона» (2006), «Библиотека Пиноккио» (2008) и другие). В произведениях последующих лет автор продолжает тему эстетизации глобальной печали, деструкции, разрушения.
Член Союза Художников России. Действительный Член Королевского Общества Граверов (Великобритания). Преподаватель Smolny Факультет Свободных Искусств и Наук, СПбГУ в Санкт-Петербурге. Независимый куратор. Участник 5 Московской биеннале современного искусства (основной проект "Больше света") (2013). Основатель проекта Lyuda Gallery (2009-2016). Живет и работает в Санкт-Петербурге.
Сумрак — как субстанция, растворенная в воздухе, не дающая дышать ядовитая атмосфера, которая образуется в помещении при отливке чугуна, отравленными струями выплывающая из цеха на улицу, а сами объекты — как следы этого удушья, его визуальная материализация.
Задуманный диалог: костры, дымы, сияющий в сумраке свет, рождение из огненной массы угрюмых образов, и одновременно сложная бархатистая фактура монотипий (мерцающих в темноте искр) — картина рождения Химеры — монстра, с головой льва , телом козы и хвостом змеи . Обобщающий апокалиптический пейзаж, текущая бесконечной отравленной рекой керосина краска и выползшие на берег существа, обитатели этих гиблых мест.
Петр Белый
КАТЕРИНА ВЕСЕЛОВСКАЯ родилась в 1989 г. в селе Яйлю в Алтайском заповеднике в республике Алтай. Получила степень бакалавра на Кафедре художественного металла в СПБГХПА им. А.Л. Штиглица и степень магистра на Кафедре художественного металла в СПБГХПА им. А.Л. Штиглица. Живёт в городе Санкт-Петербурге.
«Основные медиа, в которых работает художница: инсталляция, скульптура и графика. Катерина, с одной стороны, может делать с металлом всё, что захочет — ей подвластны любые техники, манипуляции, виды обработки, — а с другой, в своей независимой художественной практике она пытается вырваться из этой академической традиции».
Илья Крончев-Иванов
«Сейчас мое внимание захватило чугунное литье — твердый, тяжелый и холодный материал, который на глазах превращается в жидкую светящуюся массу, так, что появляется возможность засвидетельствовать это на какие-то несколько секунд. Это такое неуловимое пограничное состояние — переход из одной формы в другую, пространство между строк».
Катерина Веселовская
АЛЕКСАНДР ЦИКАРИШВИЛИ × ЛИЗА ЦИКАРИШВИЛИ × ГРЕХТ × ВЛАДИМИР С × ИВАН ЧЕМАКИН × КАТЕРИНА ВЕСЕЛОВСКАЯ × ГАЛИЗИНИ × КОНСТАНТИН ФОН РИБЕН
АЛЕКСАНДР ЦИКАРИШВИЛИ — скульптор, живописец, график, перформер, музыкант, один из основателей и лидер группы «Север-7», а также сооснователь и куратор галереи Kunsthalle nummer sieben. В 2018 году группа «Север-7» была объявлена победителем программы коллекционирования молодого российского искусства Present Continuous, результатом чего стала персональная выставка и попадание в коллекцию музея M HKA в Антверпене. В 2018 г. Группа вошла в шорт-лист Премий имени Сергея Курехина в 2018 году и Премии «Инновация», а в 2020 г. выиграла премию им. Сергея Курехина за проект Lost & Found North-7 Expedition. В 2022 году на ярмарке Сosmoscow был представлен особый проект — «Фантомная семья Каспара Хаузера» — тотальная инсталляция, созданная группой «Цветы Джонджоли», новым проектом от группы «Север-7», при поддержке Фонда Сергея Лимонова.
Александр родился в Ленинграде 1983 году, его детство и взросление пришлось на 1990-е гг., оказавшие влияние на его художественную манеру и творческую судьбу. В 2005 году Цикаришвили окончил Художественное училище имени Н. К. Рериха по специальности «графический дизайнер». В 2013 году стал выпускником «Школы молодого художника» фонда «Про Арте». Работает в жанре земляной живописи, скульптуры и графики, перформанса, инсталляции. В своей творческой практике изучает мутации понимания национального, визуальные штампы и наслоения медийных образов.
Участники: Александр Цикаришвили, Лиза Цикаришвили, Грехт, Владимир С, Иван Чемакин, Катерина Веселовская, Гализини, Константин фон Рибен.
Готика русской дачи — это поход в Пятерочку поздним вечером в районе областных плантаций: Колтуши, Всеволожск, Сосновый Бор, Ведьминская поляна... Вылазка за розовым джином.
Это понятно, такой поход могут совершать как 50-летний так и 18- летний житель Р-региона. Здесь нет места возрастным рамкам, никакого эйджизма…
Есть поход и есть цель.
Точка.
Розовый джин.
Но разрыв поколений налицо, на лицо — шрам. 50-летний еще помнит «феномен деревни», хотя уже тогда деревня ветшала и встречала московских крестоносцев-дачников/садоводов. С их пришествием зарождалась Она — дача. И появлялся феномен — «феномен дачи».
А сейчас все и везде у нас дача или, вернее, коттеджный посёлок, и есть кое-где всего несколько процентов деревни. Теперь уже деревня — феномен, краснокнижный зверь. Представляете, как это говорит Василий Макарыч Шукшин: "А ведь нынче деревня — краснокнижный зверь, такие Печки- лавочки…"
Хотя и 50 лет назад уже было постдеревенское кино, показывали в этом кинотеатре Луцка — Саморядова, где реальная пахота была как
Ворожба и Гадание.
Уже тогда Мотоцикл Ява был запряжен в тройку лошадей. Появилась на утренней траве покрытой росой первая смятая банка водки «Black Death» и хриплая «Красна плесень» наматывалась на бабину.
Показывали(сь):
Адидас и Фантомас,
В бой идут одни старики... и Старикам тут не место».
Александр Цикаришвили
ЛИЗА ЦИКАРИШВИЛИ — художница, куратор из Санкт-Петербурга. Работает в соавторстве с Александром Цикаришвили. В своей практике художница использует ткани и поролон, создавая абстрактные, часто биоморфные объекты. Работы находятся в коллекции Московского музея современного искусства.
самуил маршак (ДИМА КОРОЛЕВ) — художник, выступающий под именем под именем известного детского писателя, окончил Институт психологии РГПУ имени А.И. Герцена и живописный факультет Академии художеств в Санкт-Петербурге. Художественный метод самуилла маршака строится на деконструкции традиционной академической живописи. Автор добивается предельного упрощения и часто вводит текст в пространство живописи. «Попытка обретения невинности и непосредственности, дающих возможность осознания неважности происходящего – главная тема моих работ» - рассказывает сам художник.
Лиза Цикаришвили, самуил маршак
из проекта "Готика трансформатора". 2023
Холст, масло, смешанная техника, текстиль, вышивка
ВЛАДИМИР С — художник, работает в живописи, керамике, скульптуре, графике. Окончил Московскую художественно-промышленную академию имени Строганова по специальности «Художник-реставратор».
Среди избранных проектов: «Хижина Гореслава Чуждоземного» (2019) — групповая выставка, инсталляция в Стрельне, групповая выставка «Богом заброшенные» в пространстве завода, «Как залезть в окно» в галерее «Закрыто».
ГАЛИЗИНИ — художник-загадка, мастер черного юмора, джокер-кукольник, осознанно работающий на границе ар-брют и конвенционального современного искусства, таким образом подвергая вопросу саму эту границу. Художник работает с натуральными материалами: дерево, текстиль, глина. Его приемы статичны, автор тяготеет к абсурдно-антикварной манере.
КОНСТАНТИН ФОН РИБЕН — художник, скульптор, создает объекты, экспериментируя с сочетанием различных материалов. В своем творчестве разрабатывает тему альтернативной истории и прогресса, создает образы постгуманистических миров и ландшафтов.
В 2012 году окончил отделение скульптуры Санкт- Петербургской Академии Художеств.
ИВАН ЧЕМАКИН (р.1986, Тюмень)
Живописец, график, скульптор, работающий с поэтикой вещи и исследующий повседневность через знаковую систему предметов быта. Мир вещей для Ивана Чемакина становится точкой сборки, воплощенной схемой всего механизма современной жизни. Обладатель премии “Инновация” за 2020 год в номинации «Новая генерация» .
С 2018 года сотрудничает с группой Север-7. С 2009 по 2017 являлся участником объединения художников “Parazit”.
Избранные проекты:
2023 «Накопительный объём», персональный проект, галерея Navicula Artis
2023 «БШдкМ», персональный проект, ДК Море
2022 Фантомная семья Каспара Хаузера, групповой проект в составе арт-группы Цветы Джонджоли для COSMOSCOW 2022
ГРЕХТ — загадочный художник петербургского подполья. В своих работах обращается к методу вымышленной археологии, создавая собственный микро-рассказ об истории небывалых народов и неизвестных культур. Его художественный язык отсылает ко всему рукотворному, непрофессиональному, периферийному, забытому в искусстве, но никогда не воспроизводят никакой исторический стиль определенной культуры или периода.
Работы в коллекциях: коллекция Симона Мраза (Австрия), частные собрания в России и за рубежом
